Fin del semestre.

Ha terminado otro semestre y otro curso de imágenes en movimiento. Dentro del curso pudimos entender y aprender las bases tanto técnicas como teóricas de lo que signo a el uso de imágenes en movimiento. 

Uno de los puntos claves durante el curso fue el aprender cuales han sido las bases teóricas de lo que ha sucedido dentro de este cambio. Sin embargo creo que en algunas ocaciones la teoría opacaba a la práctica y se volvía un poco monótona la materia. Me gustaría a ver podido generar más prácticas dentro del tiempo de clase. 

Por el otro lado al momento de generar un producto final fue importante el ver diferentes ejemplos de artistas que están dentro de este medio. Me ayudo a aterrizar ideas dentro de lo que me llamaba la atención en el uso de la imagen. 

Al producir mi proyecto final me sentí cómoda al usar los programas de edición. Así como también lo suficientemente apoyada para Inter respuesta a mis preguntas. 

La Maquina Estetica

Hoy (26 de mayo del 2014) estuve dentro de una magistral impartida por Karla Villegas, curadora e investigadora en arte y nuevos medios, cuyo tema fue la Maquina Estética de Manuel Felguerez.

Manuel Felguerez Barra es una pintor y escultor mexicano  que estudio en “La Esmeralda” y en la UNAM entre otras. En su búsqueda por experimentar dentro de sus dos intereses, la pintura y la escultura, trabajo con diferentes expresiones intentando mezclar estas dos. Entre ellas estuvo el muralismo y la tecnología.

Esta ultima lo llevo a la experimentación con los medios tecnológicos para producir materia plástica.

Dentro de la Maquina Estética podemos toparnos con una serie de problemáticas y cuestionamientos que hoy en día siguen vigentes. Los conflictos éticos dentro del uso de la tecnología para el bienestar humano siguen generando una serie de preguntas que no se vuelven mas fáciles de resolver mientras la tecnología sigue avanzando. ¿Hasta que punto es correcto darle a la maquina el poder de la conciencia para formular una voluntad que pueda crear, incluso mas allá del arte?

Supongo que la idea del dualismo de la maquina y el cuerpo pueden ser consideradas como iguales hasta cierto punto. Ambas están divididas, ya sea código-maquina o cuerpo-conciencia. Sin embargo considero que esta similitud no tiene ningún valor al analizar como es que ambas funcionan. La maquina sigue siendo creada y codificada por la conciencia del ser. La conciencia del ser es completamente autónoma.

Tal vez este bien dentro de algunos parámetros experimentar con las nuevas tecnologías para el beneficio del ser humano, como la robótica o la biomedicina.  Pero por el otro lado creo que el arte es algo propio de la condición humana. El acto creativo es algo demasiado complejo como para que una maquina, dentro de nuestro tiempo por lo menos, pueda duplicar.

Mi proceso de trabajo

He notado que mis intereses personales como las texturas, el color y la fragmentación del cuerpo me han guiado de la mano al momento de elegir los motivos que voy a grabar. Regresar a mi lugar de confort como la casa de mi abuela (en el caso de los videos de los pollos) y trabajar con materiales que me gustan (el plástico) me han ayudado a sentirme cómoda con el video, ya que nunca lo había echo. 

Al ya comenzar a editar y a poner juntos todos los videos me doy cuenta que en verdad es un trabajo difícil saber como es que los voy acomodar. Me cuestiono si es que me interesa que el video lleve una cierta trama y secuencia o si solo es la pura imagen que me interesa.

Algo que me ha costado trabajo y en verdad me pone un tope es el tema del audio. Ay algunas tomas que me las imagino con ciertos sonidos sin embargo al ponerlo junto a otro cambia completamente mi vista. En verdad es que el audio le aporta o le quita al video. Y eso es lo que me pone en conflicto. He estado experimentando con diferentes sonidos, diferentes mezclas. Esto me ha ayudado a aclarar un poco mis ideas sin embargo creo que es algo con lo que no terminare de estar conforme. 

Soft Cinema por Lev Manovich

Artista y autor de libros teóricos sobre el New Media, estudio pintura, arquitectura y ciencias de la computación, utiliza sus conocimientos tanto lógicos como visuales para trabajar en animación, programación, etc. Dándole un nuevo significado al uso de las imágenes en movimiento.

Dentro de sus trabajos podemos encontrar Soft Cinema, el cual trabaja con una interface que logra un trabajo cooperativo entre el humano y una base de datos en donde se encuentra una serie de grabaciones. Estas grabaciones son reproducidas aleatoriamente  ya que la programación de la base de datos trabaja dentro de una serie de parámetros que le dice que permita que reproduzca tomando en cuenta cualquier tipo de dimensión.

En dichas imágenes se puede observar los gusto del autor dentro de la arquitectura, el cine, los movimientos, etc.

En mi opinión es importante este tipo de experimentación del recurso y la capacidad de usar diferentes tipos de formaciones, tanto artistas como lógicas matemáticas, para generar nuevos tipos de lenguajes artísticos. Creo que mas que intentar generar algún tipo de reacción en el espectador, se interesa mas por acercarse al uso de los algoritmos dentro de la imagen y lo que esto puede llegar a generar. Es una experimentación  importante dentro del uso del multimedia y las bases de datos.

Soft Cinema by Lev Manovich on Vimeo

El sonido y su función dentro del arte sonoro.

El sonido es considerado como un fenómeno físico que permite la distribución de ondas elásticas, las cuales llegan a nuestro cuerpo y logran una pequeña vibración que se convierten después en ondas mecánicas dentro de nuestro oído para ser decodificadas en el cerebro.

El mundo de Beakman: El sonido

Es utilizado en diferentes medios de la vida cotidiana del ser humano. Este es usado con diferentes variedades dentro de sus propiedades las cuales que pueden lograr reacciones en nosotros de miedo, tristeza, felicidad, alerta, etc.  

Dentro del medio artístico se encuentra en el arte sonoro, el cual intenta experimentar con estas variaciones y sus efectos en la aducción del ser humano. El arte sonoro puede trabajar con cualquier tipo de medio, digital o acústico, dándole cualidades diferentes a cualquier a otros medios artísticos, como la escultura y el video, dándole otro sentido a cualquier pieza a la que se le agregue.

Creo que este punto es uno de los mas importantes dentro arte sonoro, ya que un sonido te puede remontar a cosas, eventos, sentimientos, sin importar lo que se este observando en ese momento, y vicebersa. Uno puede cerrar los ojos y al escuchar algún sonido sabe perfectamente a lo que se refiere generando una imagen en la mente. Esto puede cambiar el contexto de la pieza, la manera en la que se observa o darle un significado completamente diferente a la imagen visual.

Algo que me llama la atención y que no conozco muy bien, ya que no considero conocer muchas referencias artísticas, es las diferentes categorías que se pueden generar dentro del arte sonoro, como es que este se clasifica. Un buen debate se puede generar intentando encontrar mas sobre las diferencias entre arte sonoro y música experimental, y que es lo que hace que estas dos sean puestas en categorías diferentes.

Pipilotti Rist

Videoartista nacida en Suiza. Estudio en el Instituto de Artes Aplicadas de Viena y al finalizar entro a diseño en la Escuela de Diseño de Suiza.

Dentro de su trabajo podemos encontrar películas realizadas en Super 8 que hablan sobre los temas del genero, el cuerpo y la sexualidad del individuo. Gracias a esto algunos de sus videos pueden ser considerados como criticas sociales asociándolas con otros temas como el feminismo. Sin embargo su uso dinámico de colores combinados con la velocidad y el sonido considero que le dan a sus videos un aire de melancolía y feminidad que es natural en las mujeres.

Be Nice to Me

Me interesa su uso del lenguaje en la imagen en los momentos en los que deforma a este de manera sutil así como el uso de recursos cotidianos como el maquillaje para agregar un elemento de color que resalte a la acción. Como en el caso del video Be Nice to Me en donde el titulo y la imagen generan un juego que te trasmite a otras imágenes relacionadas con la deformidad del rostro en cuanto una persona te dice que seas amable con ella.

Mutaflor (1996)

En Mutaflor el juego que hace con el movimiento de la cámara y su cuerpo me agrada ya que logra que la imagen, aunque sea repetitiva, pueda seguir una continuidad que a mi parecer es juguetona y a pesar de ser la misma secuencia  mantiene al espectador entretenido.

Alter-Video

El video y la televisión siempre han sido pensadas en un mismo plano. Sin embargo, se les puede considerar como rivales. La televisión esta pensada como una manera de distribución, una transmisión inmediata que contiene sonidos e imágenes. Puede contener diferentes usos, publicitarios, educativos. Puede ser utilizado como manera de vigilancia e incluso puede contener mensajes sociales.

            Por otra parte, el video estaba obteniendo sus propias características y objetivos. Se cuestionaban las maneras de distribución, como es que este nuevo medio puede reemplazar a otros, como el cine, cual será el efecto del fenómeno artístico, cual es la transformación mas grande que sufrirá el video-art. Pero, para poder entender al video, es importante dejar de comprarlo con la televisión. Darle su propio espacio y entender que estos dos no necesariamente tienen los mismos objetivos.

 Grupos artísticos como el Fluxus, fomentaron a creación del happening dándole herramientas nuevas a la imagen, como objetos-multiples, textos, films.

            El avance de la tecnología y la invención de nuevos instrumentos para la documentación, así como su portabilidad, ayudaron a que la expansión de la información, la expresión y la difusión de la imagen crecieran. Esto fomento a la industrialización de los medios. Llevando a que los medios de comunicación masiva cambiaran junto con la sociedad.

Eventos, como un nacimiento, la visita de un papa, literalmente cualquier cosa,  que mucho antes no se podían grabar, ahora tenían la oportunidad de ser documentados y ser mostrados a diferentes lugares gracias a esta nueva habilidad del video. Y así es como también surge la idea de poder llevar el video-arte a lugares como la galería e incluso mas allá de esta. El avance en estas herramientas implantaron ideas a los artistas para intentar adentrarse, por medio del video, a la privacidad del hogar por medio de la televisión. Sacando a la obra de arte de su circuito minoritario y mercantilista (1968).

            Y es que es curioso como fue que la televisión en realidad fue creada con principios artísticos y una vez que se noto el interés y el alcance de esta, los Rockefeler. fue absorbida por un grupo con un diferente objetivo en mente.

            Uno de los factores mas importantes en todo tipo de progreso tecnológico, se alimenta de la comercialización de los productos derivados de esto.  No es sorpresa que gracias a la comercialización de equipo portátiles de video (1968) se comenzara a tomar a este como un medio para la comunicación y la expresión.  Gracias a esto es que se comenzó la producción de video-tapes de artistas como Nauman o Warhol, quienes no solo intentan expresarse sino generar algún tipo de relación de comunicación con el espectador. Asi como la documentación de eventos artísticos. 

            El mercado y los medios de producción masiva, comenzaron a crecer cuando la productividad de los videocassettes creció. Sin embargo seguían teniendo un aire comercial ya que las casas de cultura, que se dedicaban a generar video arte, no podían encontrar un publico masivo e interesado que los ayudara a mantener el gasto de la distribución. Ya que era necesario no solo intentar venderlo si no que también se tenia que pensar en las características que el video tiene.

Es interesante como es que muchos de los temas y problemáticas que el autor nos presenta siguen estando presentes hoy en dia. Estados Unidos, el principal productor de video, se convierte en Media-America dándole al carácter de la sociedad de líder en los mass-media. Para llegar a esto los ayudo la creación de los portapacks, la televisión por cable, y los videocassettes.  Estas nuevas maneras de expresión no solo cambiaron la manera de expresarse sino también la manera en la que la información podía ser distribuida. Dándole ahora a la información la oportunidad de diversificación y de descentralización.

           

            Así como en la creación de una vanguardia, se crearon grupos que apoyaban este tipo de ideas. No solo intentaban generar videos ellos mismos sino fomentar a que el publico en general se expresara con el video por medio de workshops, manuales de técnica y acciones de administración.

            Esto, claro esta, también va de la mano con la creación de video-art, sin embargo, la conexión entre el video comunitario y el video de arte no se pudo lograr ya que el video arte de alguna manera  expresa otro tipo de problemáticas con las cuales el video comunitario no podía trabajar dado a las normas de distribución.

Al darnos otro punto de vista, no estadounidense, el autor nos deja ver la fuerza que el país norteamericano tenia al influir a los países que se encuentran cerca de sus fronteras. La infraestructura de Canadá, su sistema político y la manera en la que la población esta distribuida a lo largo de este país ayudaron a que la creación de grupos dedicados al video creciera. No solo utilizaban las herramientas que el video les brindaba sino que también usaban sus viejas influencias, europeas, y sus sentimientos nacionalistas para poder expresarse.

            Se preguntaban si era oportuno crear video “tradicional” así como si también era oportuno usar alternativas y como es que estas ayudaban o no a la comunicación.

            Al intentar entrar al terreno de la televisión, como el grupo Le Bloc 1969, se busca llegar a un publico mas amplio. Sin embargo como a la mayoría de instituciones de comunicación, al darse cuenta de los objetivos de grupos como estos, buscan poner algún tipo de traba para que estas ya no puedan solventar los gastos de dichas trasmisiones.  

Este, a mi parecer es un problema que hoy en día sigue estando presente. Sin embargo gracias a este tipo de trabas nos vemos obligados a intentar formar otro tipo de apoyo que ayude a la fomentación de la distribución de este tipo de videos (como el Videographe de Montreal).

            La televisión por cable tiene varias ventajas sobre la televisión normal, entre ellas, se pueden trasmitir mucho mas canales y estos tienen una mejor nitidez. Lo importante en cuanto al video arte y la censura, la televisión por cable ofrece espacios abiertos (Public Access Channels) para que cualquier organización entre y utilice las instalaciones sin costo.  Aunque la televisión por cable de estos espacios abiertos para su uso, no quiere decir que el publico escogerá estos canales sobre los canales comercial ofrecidos con el mismo servicio. Es necesario saber como es que funciona la estructura de la televisión convencional así como el publico al que va a ir dirigido.  Ya sabiendo todo esto, entonces espacios como este podrán usados a nuestra ventaja.

Así como se necesita apoyo para la distribución de este, se necesita aun mas apoyo para la producción y el proceso que el video conlleva. Uno de lo apoyo mas importantes, a mi parecer, es el apoyo del publico y población donde estos dos trabajos están pasando.

            Una vez que se encuentra el equilibrio entre el apoyo a la distribución, la producción y el proceso, se puede intentar reingresar a medios grandes de comunicación. Ya dependerá de cada quien si es que se busca mantenerse fiel a la idea que uno quiere dar a conocer, o si es que permitirá que estos medios nos guíen de vuelta al camino “convencional”.

            Uno de lo modos para crear espacios donde se pueda gozar de espacios creativos, creo que seria intentar combinar la manera en la trabajan los espacios televisivos convencionales y aquellos que buscan crear televisión de cultura. Darle variedad, como nos dice el autor, de poner diversos programas en donde se demuestren diferentes técnicas del arte (como en el caso del ATN) en donde se intente tener un dialogo con el espectador que nunca antes se ha tenido. Saber utilizar los medios y las herramientas que estén a disposición para crear espacios que ayuden a llegar a todo ese publico que se tenía en mente desde un inicio.