Andy Warhol

Andew Warhola Jr., fue mas bien conocido como Andy Warhol, un cineasta y artista plástico originario de Pittsburgh quien formo parte del movimiento de artista que fundarían el Por Art. Su obra se relaciona con la vida cotidiana del nuevo modelo de americano que comenzó a surgir durante los 60, con los nuevos modelos de producción masiva, la prensa y la fama.

Al usar un método de producción que de igual manera se utilizara para la manufacturación de productos industriales comenzaba a dejar a un lado la idea de que el acto creativo debe se seguir existiendo en la pieza de arte y es única del artista. Y es así como comenzó a usar de igual manera materiales que solo se usaban para la producción en masa de objetos usados en la mercadotecnia y la publicidad. Sus piezas eran meras reproducciones de productos que se podían encontrar en un supermercado. Al ponerlas en un museo generaba la idea de que cualquier objeto podía ahora ser arte.

Tal es el caso de la caja de Brillo, de la cual hizo varias reproducciones para solo colocarlas amontonadas en el museo. En una entrevista le preguntaron el motivo por el cual no se atrevía a hacer algo nuevo en lugar de reproducir dichas cajas, el simplemente contesto que esto era simplemente fácil y que no tenia razones para no hacerlo.

Al representar celebridades no buscaba suponer que actuaban de la manera mas glamurosa posible, simplemente intentaba ilustrar significados de tras de los nuevos medios y el efecto que estos tenían en los ahora famosos. Como en el caso de Marilyn. Pareciera que en la serie mediante sus variaciones en el uso del color intentara ejemplificar las diferentes facetas de ella mientras se adentraba mas y mas en la fama.

Así como sus obras, sus películas no tenían otro tema mas que capturar lo cotidiano del ambiente del americano promedio. Demostró que un trabajo cinematográfico no necesita de un guión, producción o cualquier trabajo previo a este para que pudiera ser creado. Sus primeras películas dependen del tiempo y el espacio del objeto o persona filmada, convirtiéndolas en un tipo de cine pasivo.

Sleep fue su primer film, en donde simplemente planto la cámara frente a un persona durmiendo durante ocho horas. En las películas Haircut y Eat, no pasa nada mas que lo mismo dicho por el titulo. De esta manera aprendió y se atrevió a utilizar todo lo que estuviera a su alrededor y quienes se encontraran a su alrededor para crear películas experimentales que esencialmente tratan de la vida, sin guión, ni escenarios, ni actores.

Por Art

Como adjetivo del arte, el pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad. Intenta mantener un equilibrio entre las perspectivas del progreso de la época de los 60 y los pesimistas en Estados Unidos y Londres. En cuanto a las palabras hermoso, bueno y autentico estas adquieren nuevos significados para relacionarlas con las cosas creadas por la comercialización dentro de la sociedad. El pop es usado como una frase ingeniosa, irónica y critica, en donde se imitan los slogans de los medios de masas y cuya estética condiciona los cuadros e imagen de la época creando así nuevos modelos y clichés. 

Richard Hamilton

Es una manifestación cultural que creció dentro de modos capitalistas y tecnológicos de una nueva sociedad industrial. Por lo tanto se busca analizar esta situación, usando las nuevos modos industriales, los limites de la sociedad de masas y medios de comunicación .

Se critica que cualquiera puede adorar el mal gusto, coleccionar baratijas, leer comics, comer salchichas o beber Coca-Cola… y así es que se puede investigar lo trivial. Esto se convirtió en el tema de interés general. Así que los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria, reflejan las realidades de la época, refuerzan y evidencian el cambio cultural. Lo kitsch y los souvenirs, las imágenes de la industria de consumo, los envoltorios y las “stars and stripes” de los medios de masas, no solo fueron usadas en el contenido de estos artistas, sino que también fueron el contenido de los museos. Por lo tanto lograron extraer a la historia de su contexto histórico, se la libero de modelos y esquemas convencionales y fue reactualizada.

Jasper Johns

Flag on orange field

1957

Los medios de masas favorecieron la internacionalización de los estilos y las formas de expresión, y lograron que tanto marcas como el arte tuvieran un gran alcance al publico. Así que se genero un fuerte interés por producir arte. Esto genero nuevos slogans divulgados como “El arte es vida” o “Todos somos artistas” (Beuys y Warhol). 

Edward Kienholz

The Beanery

1965

Minimalismo

Carl Andre

El termino minimalista se usa para describir todo objeto que haya sido reducido a su mera esencia. En el arte surgió al termino de la Segunda Guerra Mundial alrededor del año 1960 en el occidente. En esta corriente artística se utilizan figuras básicas, colores puros y elementos naturales. Tienden a usar la geometría, el orden, la abstracción y la producción industrial. Esto se hace para reducir y tratar de eliminar toda alusión simbólica y que el espectador se centre solamente en los conceptos formales de la pieza.

Frank Stella

Robert Mangold

Los artistas de este movimiento buscaban que sus obras llegaran a ser neutrales. No buscaban ver la mano de obra del artista ya que no les gustaba la habilidad manual, así buscaban dejar a un lado la actividad creadora, tomando mas importancia a la idea que a la técnica de la pieza. 

Agnes Martin

Jugando con la Persistencia Retiniana

La persistencia de la visión es un fenómeno que nos permite ver a la realidad como una secuencia de imágenes que nunca son interrumpidas. Esto se debe a que cada imagen permanece en la retina del ojo humano una decima de segundo antes de desaparecer. El ojo ve una cantidad de 10 imágenes por segundo y gracias a que estas permanecen en este por esta decima de segundo, el cerebro las enlaza y así es como vemos el movimiento. 

Durante la época victoriana se comenzaron a crear juguetes usando estos factores de la imagen para crear juegos ópticos. Dos ejemplos conocidos de estos fueron los taumatropo y los zootropo. En el thaumatropo se colocaban dos imágenes, una en una cara de la hoja y la otra en el otro lado de esta y se hacían girar rápidamente creando una conexión entre estas dos imágenes. Y en el zootropo, o maquina estroboscópica, se colocaban una secuencia de imágenes dentro de una estructura circular con cortes por donde el espectador vera para ver como es que los dibujos crean una imagen en movimiento dentro de este mientras la estructura gira.

El kinetoscopio fue inventado por William Kennedy Laurie, quien trabajaba con Thomas Edison, el cual se inspiro después de ver el invento de Eadweard Muybridge, el zoopraxiscopio. El zoopraxiscopio proyectaba imágenes las cuales se encontraban en discos de cristal que giraban rápidamente y asi generar movimiento. Así que tomando las ideas de Muybridge, crearon una caja de madera vertical que contenía una serie de bobinas y de cristales magnificadores entre las cuales corría una película de 14 m. Las películas que se usaron esta maquina eran de 19 mm. Estas contenían imágenes circulares las cuales mientras corrían eran iluminadas por muy poco tiempo generando una imagen en movimiento de aproximadamente 20 segundos.